Derrière le motif : la collection Trippy Fish
Salut Viola ! Comment devrions-nous envisager votre flux de travail ?
Habituellement, j'explore le sujet, discute du concept avec le client et rassemble l'inspiration et les couleurs. Nous réfléchissons également au produit auquel nous allons appliquer ces motifs et, sur cette base, je commence à dessiner.
Comment une idée devient-elle un modèle fini ?
Dernièrement, je conçois davantage en lien avec le produit lui-même et je l'implique dans la phase de conception, en tenant compte de la méthode de fabrication spécifique. Par exemple, avec la collection Trippy Fish, j'ai commencé dès le départ à composer le motif en fonction de la taille de la sérigraphie utilisée pour la sérigraphie, pour obtenir une répétition très organique, car il s'agissait d'un rapport à plus grande échelle.
Cela s'est avéré génial. Selon vous, qu’est-ce qui fait un bon modèle ? Qu’est-ce qui fait que ça marche ?
Lorsqu'il s'agit d'un motif continu, ou si les connexions au sein du design sont très organiques et guident le regard. Les formes doivent s'aligner les unes sur les autres et créer un système dans lequel elles se répètent harmonieusement, et le motif doit bien coexister avec le produit sur lequel il apparaît. La clé est de trouver cette harmonie qui résonne chez le spectateur, évoquant un sentiment d’amour ou de connexion, quelque chose qu’il peut vraiment embrasser.
D’où vous êtes-vous inspiré pour le motif Trippy Fish ?
Eh bien, l’une de nos principales sources d’inspiration était le monde psychédélique des années 70. Nous voulions également représenter des poissons Koi dans le motif, qui est un motif japonais populaire, notre tâche était donc de mélanger ces deux mondes. Pour ce faire, nous avons examiné minutieusement de nombreuses affiches ainsi que des motifs trouvés sur des transats et des rideaux vintage.
Pouvez-vous nous parler un peu de ces motifs floraux et des motifs de poissons Koi, et comment vous les assemblez ?
Eh bien, ce que j'ai trouvé intéressant à propos des motifs floraux, c'est que dans les années 70, ils étaient principalement imprimés par sérigraphie, ce qui rendait fascinant l'étude de la manière dont ils utilisaient le rapport entre les zones couvertes et découvertes pour obtenir un effet maximum avec un minimum de couleurs, créant ainsi un résultat semblable à un arc-en-ciel. C'était fascinant de voir comment les zones imprimées et vierges se mélangeaient dans des proportions différentes. Nous avons également appliqué cette approche, en concevant consciemment nos modèles pour l'utiliser. Chez YKRA, nous travaillons avec un nombre limité de couleurs et la zone vierge joue un rôle important en tant que couleur dans nos motifs.
Combien de couleurs y a-t-il dans le motif ?
Il y a quatre couleurs plus le blanc, n'est-ce pas ? Vert, orange, bleu clair, bleu foncé. Oui, et les pièces vierges sont laissées comme un espace ouvert. Ce n'est donc pas la couleur d'arrière-plan, mais plutôt quelque chose que nous avons mis en évidence. Les poissons apparaissent dans les zones vierges, soulignant leur présence. Personnellement, j’ai vu cela comme un défi car les poissons rouges sont un thème très populaire. Nous les rencontrons dans de nombreux endroits et cela a un thème un peu japonais, et c'était un défi pour moi de les dessiner et de les représenter dans une situation nouvelle et différente. Ainsi, ils ont fusionné avec les fleurs, et le tout s’est retrouvé dans un monde sous-marin imaginaire.
Approfondissons un peu le modèle. Quelles étaient les couleurs et les formes caractéristiques de cette époque, et qu’en avez-vous incorporé dans le motif ?
Ce qui me frappe, ce sont les formes fluides qui se mélangent et fusionnent de manière organique, donnant l’impression d’un mouvement doux et portées par les courants. Cette qualité peut être observée dans toutes les formes, rendant le design global beaucoup plus organique, y compris les fleurs, par rapport à la pensée plus géométrique des années 60. De plus, je me suis concentré sur le rapport des contours et l'équilibre entre les grandes et les petites surfaces. Par exemple, de nombreux détails complexes se rassemblent pour former une forme plus grande et englobante, qui peut être interprétée comme un motif de cette forme ou vue comme une représentation collective de motifs floraux plus petits.
Vous avez opté pour deux palettes de couleurs, l’une est un bleu dominant plus froid et l’autre est une palette de couleurs plus chaudes dominées par le rose. Lequel choisiriez-vous parmi les deux, si vous ne pouviez en choisir qu’un ?
J'aime vraiment le rose, alors je choisirais le rose.
Sur quoi avez-vous travaillé ces derniers temps et quels sont vos projets pour l’été ?
C'est une excellente question. Je travaille sur un livre très passionnant, entièrement dédié aux illustrations. On m'a demandé de créer des graphiques liés à une année spécifique, mais je ne peux pas encore en dire plus. Sa sortie est prévue au début de l'été. Nous préparons également une série de foulards avec VYF, qui est liée à une exposition au musée Szépművészeti, et j'y travaille déjà. Je veux aussi prendre le temps de créer et d’explorer librement par moi-même.
Qu'est-ce que cela signifie? Qu'est ce que tu aimes faire?
J'ai finalement commencé à apprendre l'animation pour donner vie à ces motifs car ils me donnent toujours le sentiment de capturer un instant fugace. Il y a cependant une certaine continuité entre eux et je souhaite aller plus loin pour leur donner véritablement vie.
Merci Viola!
Merci!
